Cyrano de Bergerac

Le chef-d’œuvre d’Edmond Rostand, enfin dans une version sans coupes !

Défi inédit depuis plus de 20 ans, la compagnie Le Libre Alcyon s’attaque à la pièce la plus célèbre du répertoire français, dans une mise en scène respectant à la lettre le texte de l’auteur : pas un mot de coupé ni de modifié, l’acteur principal prononcera bien les 1600 vers de son rôle, et le spectateur pourra redécouvrir ce texte sublime que l’on n’entend jamais que partiellement.

Retrouvez l’irrésistible triangle amoureux formé par le brillant poète Cyrano, l’exigente précieuse Roxane et le timide soldat Christian, enfin interprétés par des acteurs de leur âge, c’est-à-dire de jeunes talents.

Laissez-vous porter par la musique du vers romantique et le rythme effréné de la mise en scène, qui vous transporteront de joutes verbales en duels d’honneur, de sérénades au balcon en champs de bataille, de salles de théâtres bruyantes en silencieux couvents. Une esthétique onirique, évoquant le XIX^e siècle, et ce temps indistinct et reculé qui est celui des vieilles histoires que l’on vous racontait enfant…

Note d’intention

Le cœur de cette production est de retourner au texte original d’Edmond Rostand, de parvenir, avec des moyens minimes, à en dire chaque phrase sans perdre en crédibilité. Nous avons rassemblé une équipe nombreuse pour saisir chaque pépite de la mine d’or qu’est cette pièce. En guise de base, les comédiens ont travaillé sur une diction précise, afin de faire rejaillir la musique du vers si particulier d’Edmond Rostand. L’esthétique ne se veut pas réaliste ; elle cherche plutôt à transporter le public dans l’histoire en mettant en valeur le rythme de celle-ci. Nous nous appliquons à rendre à cette œuvre la fougue et le dynamisme qui lui conviennent. Les acteurs sont tous jeunes, ce qui correspond à l’âge des personnages. Nous avons limité les pauses et les silences au strict nécessaire, c’est-à-dire aux scènes de tension tragique. Le reste de la mise en scène met davantage en valeur la poésie et l’humour, qui sont les deux grandes caractéristiques de cette écriture. Le tout est soutenu par des musiques composées pour la pièce, alternant entre violon, violoncelle, flûte, guitare, et chœur.

Du point de vue visuel, les costumes évoquent non pas l’époque où la pièce se passe, mais celle où elle a été écrite, c’est-à-dire la fin du XIX^e siècle, tout en ne cherchant pas à la représenter d’une façon strictement historique. Il s’agit plus de l’évocation d’un esprit que de la reconstitution documentaire d’une époque. L’idée est surtout de retrouver le souffle lointain et légèrement archaïque qui soutient les concepts et les événements représentés sur la scène ; un univers fantasmé, comme l’était le XVII^e siècle des romantiques, qui permette d’inclure sans dénoter des duels à l’épée, des sérénades au balcon et des couvents où trouver refuge. Le maquillage soutient cette recherche, car les acteurs sont grimés de manière expressionniste, avec le teint blanchi, et les éléments expressifs du visage, comme les yeux et la bouche, mis en exergue par des traits noirs ou rouges. Le nez de Cyrano ne sera pas une prothèse, mais un masque peint, mettant en valeur combien cette imperfection dont l’a marqué la nature est également une façade derrière laquelle le héros cache ses failles, mobile de querelles lui permettant d’alimenter ses fanfaronnades, et prétexte pour ne pas affronter sa timidité amoureuse.